El Significado Del Retrato De Arnoldini De Jan Van Eyck
Figura 1, Retrato de Arnolfini, de Jan van Eyck en la National Gallery, Londres, 1434 | © Ayesha23 / WikiCommons
El tema del Retrato de Arnolfini (Figura 1) es doméstico: un hombre y una mujer se toman de las manos en un ambiente interior, con una ventana detrás y una cama detrás de ella en forma natural simbolismo de los roles maritales del siglo XV: mientras los esposos salían a dedicarse a los negocios, las esposas se preocupaban por los deberes domésticos. La ropa que lleva la pareja también se habría pensado como demostrativa, esta vez de riqueza y posición social. La piel era un lujo costoso permitido por la ley solo a los niveles superiores de la sociedad, por lo que los patrones y cuidadores de van Eyck habrían estado haciendo una declaración consciente de su riqueza y estatus al peinarse la ropa (particularmente cuando el árbol floreciente fuera de la ventana sugiere el día era cálido). Los colores de estas prendas y también de las colgaduras de las camas también son importantes: el rojo, el negro, el verde y sobre todo el azul fueron tintes fabulosamente caros, por lo que de nuevo se pretendía mostrar la riqueza de esta pareja, lo mismo que el puro cantidad de tela (plisado pesado utiliza más tela, ropa ergo con pliegues, pliegues, pliegues, etc. todos cuestan más). Van Eyck también se aseguró de incluir pequeños y hermosos detalles, como los puños de oro y plata a juego en las muñecas de la pareja, detalles detallados alrededor del borde del velo de la mujer y algunas naranjas muy costosas en el cofre debajo de la ventana. Estos no solo demostraron su propio talento para la pincelada hábil e intrincada, sino también el siguiente hecho simple: que la pareja representada no solo era rica sino también educada, sabían cómo debían gastar su dinero para que se reflejara bien en ellos mismos.
Figura 2, alegoría de la vanidad de Triphome Bigot en la Galleria di Palazzo Barberini, Roma, c.1595-60 | Yaroslav Blanter / WikiCommons
Esto nos lleva a la pregunta: ¿quiénes eran esta pareja? El sujeto masculino a la izquierda de la escena del espectador recientemente se pensó que era un comerciante de Brujas llamado Giovanni di Nicolao Arnolfini, y la mujer a su lado, su esposa. Sin embargo, hay varios problemas asociados con la segunda mitad de esta identificación. El artista ha escrito claramente en la pintura, en latín ornamentado, "Jan van Eyck estuvo aquí en 1434". Sin embargo, la esposa de Giovanni había muerto en 1433, lo que presenta la posible hipótesis: van Eyck había comenzado el trabajo en 1433 mientras la esposa de su patrón vivo pero ella había muerto cuando él lo terminó, o simplemente era un retrato póstumo. Esta teoría no es irrazonable, y está respaldada por gran parte del contenido visual de la escena: la figura suelta de la figura masculina en la mano que se desliza de la mujer y las extrañas velas en la araña adornada, que en el lado del hombre todavía está entera e iluminada. mientras que el candelabro opuesto está vacío aparte de algunos goteos de cera, lo que significa que la luz de vida de la mujer todavía está encendida mientras que la de ella se ha apagado. También hay, por supuesto, el espejo en la pared posterior de la escena, un objeto asociado a menudo con pinturas de Vanitas que reflejan la mortalidad y la muerte, claro en la Alegoría de la vanidad de Trophime Bigot (Figura 2). Los retratos póstumos tampoco eran desconocidos; en 1472, en Urbino, Italia, el duque Federico da Montefeltro había encargado un díptico de él mismo y de su esposa recientemente fallecida. El doble retrato sobrevive hasta el día de hoy, con la pareja que continúa enfrentada en la muerte y en la vida, su rostro bronceado y saludable, mientras que su rostro es de mármol blanco (Figura 3).
Figura 3, Retratos de Federico da Montefeltro y su esposa Battista Sforza de Piero della Francesca en la Galería de los Uffizi, Florencia, 1472, | Sailko / WikiCommons
Volviendo al Retrato de Arnolfini , también hay una segunda posibilidad, que esta es una representación de un segundo matrimonio, para el cual se han perdido los registros. Ciertamente, el rostro de la mujer parece particularmente juvenil, casi como una muñeca, aunque este joven no es un indicio de que fuera una segunda esposa, ya que las niñas podrían casarse antes incluso de que fueran adolescentes en este momento. Su apariencia es muy de moda, con una frente alta y desplumada y cabello específicamente diseñado. Scholarship no parece pensar que está embarazada, aunque aparece de inmediato de esa manera, sino que estaba levantando una gran cantidad de tela pesada y plisada para mostrar su costosa enaguas azules. Por supuesto, esto podría ser un error y la tela podría haber sido simplemente destinada a llamar la atención sobre su cintura; después de todo, no hay que confundir el lecho obvio detrás de ella, simbólicamente decorado completamente en rojo, un significado indiscutible del amor y la pasión. La perrita a sus pies demuestra su fidelidad a su marido (un motivo artístico clásico y uno notablemente utilizado por Madame de Pompadour en el siglo XVIII siglo ; varios de sus retratos como la principal amante oficial del rey Luis XV). de Francia incluyen un pequeño perro negro (Figuras 4 y 5)) y su cabeza cubierta expresa que ella es una mujer casada - solo los jóvenes, los reyes o los inmorales llevarían el cabello suelto y descubierto. Su mirada hacia abajo también muestra su sumisión y dócil obediencia al hombre que sostiene su mano. Este era el siglo XV después de todo; las mujeres eran propiedad de su pariente masculino más cercano, y la idea de que hicieran algo más que preocuparse por el bienestar de su casa y su familia era nada menos que escandaloso.
Figura 4, Retrato de Madame de Pompadour (1721- 1764) de François Boucher en la Alte Pinakothek, Munich, 1756 | Slick-o-bot / WikiCommons
Hasta aquí todo bien, toda la visualidad no es extraordinaria; aparte, por supuesto, de los detalles deslumbrantes y el brillante comando de color con el que se representa la escena, y la atribución real de las identidades de los asistentes. Sin embargo, hay varias notas curiosas que hacen que este trabajo de realismo se destaque como particularmente interesante. En primer lugar, el espejo en la pared posterior, que, dicho sea de paso, podría ser un trabajo de imaginación, ya que es significativamente más grande de lo que los espejos realmente podrían hacerse en este momento, ya se ha abordado, pero no se destaca por su detalles espectacularmente altos. En la superficie pulida y convexa de cristal, rodeada de bellas escenas en miniatura de la Pasión de Cristo, se reflejan las espaldas de la pareja, pero también, deliciosamente junto con la figura azul brillante del propio artista para presentar una verdadera representación de la escena de la pintura . Debido a la inclusión del artista, y de su gran firma en la pared, se ha presentado la teoría de que el trabajo era el equivalente de un contrato matrimonial: la unión evidentemente ha sido presenciada por la inclusión visual de una tercera figura, que también ha colaborado firmó la imagen en un guión grande y obvio sobre el espejo para comprobar su presencia. Esta teoría, por supuesto, negaría que sea un retrato conmemorativo de la esposa, pero debido a la ausencia de evidencia concreta que demuestre una u otra explicación, ninguna de las dos puede ser probada o refutada.
Figura 5, Retrato de Madame de Pompadour en su Tambour Frame por François-Hubert Drouais en la National Gallery, Londres, 1763-64 | Eugene a / WikiCommons
Sin embargo, esta ambigüedad más bien se suma al encanto de esta pintura y exige que los espectadores miren más de cerca la mano de obra hermosa, detallada para extraer sus propias ideas y teorías sobre el trabajo del análisis visual independiente. Incluso si se puede concluir de este trabajo nada más que una apreciación del talento supremo de Jan van Eyck, esa es seguramente una conclusión satisfactoria para alejar del misterioso Retrato de Arnolfini. Quizás, si su sujeto era conocido, con todos sus detalles y complejidades, entonces el trabajo no sería ni la mitad de apreciado ni investigado. Su encanto radica en las historias e ideas que inspira en las mentes de aquellos que lo miran, lo penetran y excavan bajo su superficie; la ausencia de conocimiento solo aumenta su belleza.
