10 Artistas Filipinos Contemporáneos A Saber
Ronald Ventura
En 2011, Ronald Ventura batió el récord de pintura del sudeste asiático más taquillera en Sotheby's Hong Kong cuando su obra de grafito, aceite y acrílico tituló Grayground vendido por $ 1.1 millones. Las pinturas y esculturas de Ventura presentan múltiples capas de imágenes y estilos, que simbolizan la identidad nacional multifacética de Filipinas, un país que, a lo largo de la historia, ha sido colonizado por los Estados Unidos, España y Japón. El trabajo de Ventura encarna la complejidad de la cultura poscolonial a través de la yuxtaposición de motivos orientales y occidentales; cultura alta y baja; tradición y progreso; pasado y presente.
Alfredo e Isabel Aquilizan
El dúo de esposos Alfredo e Isabel Aquilizan emigraron a Australia en 2006, un evento que se convirtió en parte integral de sus prácticas artísticas. Su trabajo habla de la comunidad, la experiencia personal, la memoria y el desplazamiento, junto con los efectos emocionales y psicológicos de la migración. Los Aquilizans a menudo usan objetos culturalmente significativos como metáforas de la "experiencia vivida". En 2006, expusieron Project Belonging: In Transit en la Bienal de Sydney; hecho con cajas tradicionales de balikbayan utilizadas por los filipinos para enviar sus pertenencias a todo el mundo, la instalación evocó el viaje de la pareja a Australia. Este trabajo se convirtió en Proyecto Otro país: Dirección (2008), compuesto por los contenidos de 140 cajas de balikbayan , cada uno cuidadosamente embalado y comisariado con artículos personales. Los Aquilizans han producido varios trabajos que involucran a la comunidad local, emplean materiales donados y crean instalaciones complejas a partir de objetos importantes.
Mark Salvatus
Los temas del urbanismo y la política cotidiana son fundamentales para el trabajo del artista multidisciplinario Mark Salvatus, también funge como cofundador de los grupos locales de arte callejero Pilipinas Street Plan y 98B Collaboratory. Inspirándose en su paisaje urbano, la cultura popular y los medios, Salvatus representa la experiencia contemporánea, tanto en su Filipinas natal como en los lugares a los que viaja. Salvatus vincula puntos comunes interculturales, como se representa en Haiku (2013), una proyección de video de graffiti que el artista fotografió durante sus viajes por Japón, Nueva York, Australia e Indonesia. El video vincula a personas y culturas que no están relacionadas entre sí para crear un diálogo global. En 2014, el artista presentó Latitudes en el Centro Cultural de Filipinas: una serie de tres obras dedicadas a cuestiones sociopolíticas relacionadas con los recursos de la tierra, el aire y el agua.
Gary-Ross Pastrana
Los objetos familiares son deconstruidos irreconocibles en los trabajos conceptuales de Gary-Ross Pastrana hasta el punto en que heredan una nueva forma, significado y función. Pastrana está interesado en las consecuencias de transformar la fisicalidad de un objeto, observando cómo sus connotaciones se modifican posteriormente. Establecer fuego en Liberar (2002) explora si un objeto puede conservar su "apariencia" si está roto. Pastrana destruyó una escalera, quemando una sección de los restos y creando un pájaro de sus cenizas. Para Two Rings (2008), el artista derritió dos de los anillos de su madre y los formó en un objeto con forma de espada para investigar si esa transformación física alteraría el sentimentalismo o el valor de la materia. Pastrana concluyó que el valor monetario no se perdería, pero más significativamente, su valor sentimental aumenta a medida que las propiedades de los anillos se fusionan. Pastrana reconfigura la realidad para revelar la verdad de un objeto.
Gary-Ross Pastrana, Sin título (Horizonte), 2014. Collage. | Imagen cortesía del artista y Silverlens.
José Santos III
José Santos III ha desafiado durante mucho tiempo las percepciones de "lo cotidiano". En sus primeros trabajos, Santos pintó escenas hiperrealistas trompe l'oeil y composiciones surrealistas y oníricas. El artista multimedia ha desarrollado un estilo críptico, dejando su trabajo abierto a la interpretación. Continúa explorando una fascinación por los objetos en un esfuerzo por descubrir sus historias, ocultando al mismo tiempo la percepción de lo familiar del espectador. En ²hide (2014), y la exposición en Pearl Lam Galleries, Santos exhibió un nuevo cuerpo de trabajo con objetos cotidianos imbuidos de nuevos significados. Los objetos inadvertidos a menudo se colocan en el punto de mira y se reubican para crear una nueva experiencia. Santos evoca una apreciación renovada de lo oculto, mostrándonos hasta qué punto damos por sentado los objetos en la vida cotidiana.
Costantino Zicarelli
Costantino Zicarelli es un autoproclamado "músico fracasado" y artista de graffiti cuyas obras reflejan el la historia del dron metal, black metal y todo rock n 'roll. Sus obras y exposiciones a menudo se inspiran en letras de canciones, como su espectáculo de 2013 en Silverlens titulado blanco como la luz de la luna, blanco como el hueso, tan oscuro como la serpiente, tan oscuro como el trono . Explorando el "lado oscuro" de la cultura pop, los dibujos de grafito gris de Zicarelli revelan imágenes de cráneos, bosques oscuros, mechones colgando en marañas, bolas de discoteca, guitarras rotas, estrellas de rock muerto y emblemas de tatuajes. El artista explica que su práctica se trata menos de ser una groupie, y más acerca de mostrar un lado menos caótico de la industria. Su exposición de 2014 El polvo de los hombres se inspiró en el trabajo y la estética de la icónica 2001 de Stanley Kubrick: Una odisea del espacio. De imágenes de sacrificio a decadencia, esta exposición mostró la fragilidad eterna de humanidad.
Costantino Zicarelli, 'Hasta que la luz nos lleve VI', 2013. Grafito en papel. | Imagen cortesía del artista y Silverlens.
Norberto Roldan
Fundador de Black Artists in Asia, un grupo con sede en Filipinas enfocado en la práctica artística social y políticamente progresiva, y Green Papaya Art Projects, Norberto Roldán aborda temas sociales, políticos locales y asuntos culturales. Su conjunto de texto, imágenes y objetos encontrados considera la experiencia vivida de la vida cotidiana en las Filipinas, junto con la compleja historia del país y la memoria colectiva. Roldán pone especial énfasis en los objetos históricos y en su capacidad de retener significado una vez que son descartados y olvidados, cuestionando si un objeto es intrínsecamente sentimental o está exclusivamente dotado de significado. Su montaje titulado En busca del tiempo perdido 1/2/3/4 (2010) se inspiró en el departamento de Hitler en Berlín, que supuestamente era incongruente con la naturaleza del dictador megalómano. El trabajo cuestiona las formas en que los objetos reflejan quiénes somos. El comienzo de la historia y las estrategias fatales (2011) se inspiró en el ensayo de Jean Baudrillard titulado El final de la historia y el significado , en que el filósofo sostiene que la globalización precipitó la disolución de la historia y el colapso del progreso. Cada obra es una colección de objetos antiguos que se muestran en armarios, recordando un pasado que es fabricado por un intento de crear un sentido de orden a partir de recuerdos olvidados.
Norberto Roldan, "Sagrado es el nuevo profano 1", (díptico), 2010. Ensamblaje con objetos encontrados. 24 x 48 pulgadas. | Imagen cortesía del artista y Lightbombs Contemporary.
Louie Cordero
Las obras multimedia ricamente ornamentadas y a menudo grotescamente humorísticas de Louie Cordero combinan las tradiciones indígenas, el catolicismo español y la cultura pop estadounidense para expresar una larga historia de tensión. Sus composiciones de colores vibrantes se inspiran en la estética de películas de terror de doble película, música heavy metal, comics, folclore y vida en la calle, y se relacionan con temas derivados del pasado colonial del artista y la educación católica. En la Bienal de Singapur 2011, Cordero presentó una inquietante instalación multimedia titulada My We , inspirado en los asesinatos de personas inocentes cantando el My Way de Frank Sinatra en bares de las Filipinas. La instalación exhibió una multitud de figuras de fibra de vidrio apuñaladas en todo el cuerpo con partes del cuerpo rotas. En el fondo, una videoinstalación proyectó la canción fatal de Sinatra para crear una extraña recreación de los eventos macabros.
Rodel Tapaya
Tocando temas de memoria e historia, Rodel Tapaya entreteje la realidad contemporánea con narraciones populares en cuadros vibrantes inspirados por cuentos populares y la historia precolonial. El bastón de Kabunian, numerado pero no puede ser contado (2010) le ganó el Premio de Arte de Firma 2011. La pintura, exhibida en la 10ª Bienal de Gwangju en 2014 y ahora alojada en la colección Tiroche De Leon, presenta imágenes del folclore filipino, combinando múltiples narraciones y diversas referencias alegóricas, desde la figura canina central hasta los mitos de origen y otras criaturas. Tapaya advierte contra la codicia de la humanidad y la destrucción del medio ambiente. En una línea similar, Mountain Fantasies (2012) comenta los peligros de la minería excesiva y la importancia de preservar la naturaleza. La pintura tiene influencia de las leyendas filipinas, como la hermosa diosa del bosque María Makiling, que protege los bosques, y los espíritus que nutren las plántulas donde han muerto los árboles viejos. El trabajo de Tapaya sirve como una crítica de las prisas de la humanidad hacia el progreso a expensas del mundo que nos rodea.
Martha Atienza
Nacida de una madre holandesa y un padre filipino, Martha Atienza se ha movido entre Filipinas y los Países Bajos a lo largo de su la vida y su origen mixto se reflejan en su trabajo de video. En algún lugar entre la imaginación y la comprensión, su trabajo es un estudio sociológico de su entorno. Atienza está interesada en investigar el potencial del arte contemporáneo como una herramienta para instituir el cambio social. Junto con Rodel Tapaya, estuvo entre los finalistas del Premio Soberano de Arte Asiático 2013/2014, donde presentó su trabajo interminables horas en el mar . La videoinstalación rinde homenaje a la historia de los viajes oceánicos, inspirada en el pasado de su padre como capitán de barco. Con un video en movimiento del mar refractado a través de un vaso de agua y acompañado por el sonido del océano, este trabajo capta la ilusión de las aguas en movimiento y sugiere una sensación de alucinación provocada por el aislamiento de una vida en el mar.
