8 Pinturas Imprescindibles En El Musée D'Orsay
Un entierro en Ornans (c. 1849), Gustave Courbet
Un pionero de la mitad El realismo francés del siglo XIX, Gustave Courbet trató de alejar la pintura de lo que él veía como el academicismo elitista de artistas románticos como Jacques-Louis David, Eugène Delacroix y Jean-Auguste-Dominique Ingres. Courbet quería crear una nueva estética socialmente consciente, basada en el mundo material y que monumentalizara la clase campesina no idealizada. El tamaño imponente de A Entierro en Ornans es una declaración de intenciones; por primera vez en la historia, los pobres estaban al frente y en el centro, un privilegio exclusivo para las figuras ricas y clásicas. La pintura aborda sutilmente la creciente secularización de Francia en ese momento, con clérigos representados como crueles caricaturas con las espaldas convertidas en Cristo, que parece pasar desapercibido para los dolientes.
Gustave Courbet - Un entierro en Ornans - Google Art Project 2 | © Google Art Project / WikiCommons
Bal du Moulin de la Galette (1876), Pierre-Auguste Renoir
Mientras que las pinturas de Courbet pretendían llevar al campesinado a la vanguardia artística, el Bal du Moulin de Pierre-Auguste Renoir La Galette capturó la floreciente cultura del café y la clase burguesa, que se extendió por París en la década de 1870. Después de la década de 1850 y 1860, cuando el barón Haussmann reurbanizó la capital francesa de una ciudad medieval sucia y pequeña a una ciudad moderna con amplios bulevares, espacios abiertos y edificios uniformados, París se convirtió en un centro urbano para artistas, escritores y una clase hedonista de ricos. juerguistas. La pintura de Renoir capta la vitalidad de este nuevo París, una ciudad en la que la gente puede disfrutar tranquilamente del día, bailando y bebiendo con sus amigos. Este trabajo proporciona una visión impresionante de la moda y el espíritu de la época, una representación icónica de esta ciudad viva y romántica.
Auguste Renoir - Danza en Le Moulin de la Galette - Museo de Orsay RF 2739 (trabajo derivado - AutoContrast editar en el espacio LCH) | © WikiCommons
Dinner at the Ball (1879), Edgar Degas
Una pintura muy pequeña y de ninguna manera una de las obras más famosas de Degas en d'Orsay, Dinner At The Ball es una pieza de comentario social deslumbrante y matizada. En la primera impresión, esta imagen parece tener mucho en común con el Bal du Moulin de Renoir como una imagen de la sociedad en juego descrita en colores vibrantes, pero parece ser más una advertencia que una celebración de la burguesía status quo. En un ambiente de tal decadencia, lleno de candelabros, costosos trajes y vestidos de ricos adornos dorados y rojos, las figuras se reducen a un nivel de completo anonimato sin rostro. La técnica de difuminación no solo evoca la energía de la habitación, sino que sugiere una especie de fugacidad y la idea de que nada es estable o tiene su propia identidad individual en este mundo materialista. Debemos ser cautelosos, dice Degas, para no cambiar nuestra individualidad por una vida de opulencia y exceso.
Olimpia (1863), Edouard Manet
Una de las pinturas más controvertidas del siglo, Edouard Manet's Olimpia consternó a los críticos cuando se exhibió por primera vez en 1863. Desafiando la tradición del desnudo clásico idealizado, Manet obligó a sus espectadores a contemplar a una mujer "real" contemporánea. Olympia es una prostituta, descaradamente cómoda y orgullosa de su desnudez, mirando directamente al espectador, en contra de la convención artística de las mujeres como modelos pasivos de belleza. Manet no solo estaba tratando de romper con los precedentes, sino que resaltaba la ironía de la recién descubierta "modernización" de París cuando la alta sociedad aún no podía expresar la liberación sexual y la autoafirmación femenina. Los críticos se ofendieron por el contenido temático de la pintura, así como por el estilo del artista, que consideraban demasiado simplista con una composición defectuosa.
Bazille's Studio, (1870) Frédéric Bazille
Las tensiones en torno a los roles de género tradicionales se hicieron cada vez más frecuentes a medida que avanzaba el siglo XIX, y el Bazille's Studio de Frédéric Bazille subraya la disparidad entre hombres y mujeres en el mundo del arte. hora. La pintura representa a un grupo de hombres, presumiblemente amigos de los artistas, observando, hablando y analizando, con figuras desnudas como la única presencia femenina en la obra. Estas musas no son más que simbólicas, atrapadas en sus escenas pastorales domésticas solo para ser objetivadas y evaluadas, voyeurísticamente, por los intelectuales masculinos en la pintura.
Frédéric Bazille - Bazille's Studio - Google Art Project | © cAF7KPVs5G2guA en Google Cultural Institute / WikiCommons
The Cardplayers (1890-1895), Paul Cézanne
Una de las varias pinturas que representan a jugadores de cartas que Paul Cézanne produjo a principios de la década de 1890, The Cardplayers es uno de los trabajos más perdurables de la Era Posimpresionista. Cézanne, como Courbet antes que él, trató de celebrar a los miembros comunes del campesinado que poblaba su Provenza natal. Desinteresado en el realismo, sin embargo, Cézanne representa sus figuras a través de amplias pinceladas, saturadas con tonos de tierra como naranjas y marrones para transmitir la calidez de la región y sus habitantes. Lejos de la agitada metrópoli de París, Cézanne quería que su arte provincial representara la estabilidad y la armonía que se pensaba que estaba presente en la vida arcaica.
Jugadores de cartas: Paul Cezanne | © //www.the-athenaeum.org/art/full.php?ID=6371/WikICommons
Londres, Casas del Parlamento (1904), Claude Monet
Mientras que Claude Monet se asocia mejor con imágenes que representan París y el campo francés, las Casas del Parlamento de Londres fueron el tema de algunos de los trabajos más convincentes del artista en sus últimos años. Un pionero impresionista, Monet rechazó el énfasis tradicional de la precisión en el arte; más bien, trató de capturar la esencia de un momento, como el sol cortando a través de la niebla. Compitiendo con la naciente tecnología de la fotografía, Monet sintió que las pinturas debían representar el mundo de una manera que ninguna cámara podía. London, Houses of Parliament es un brillante ejemplo arquetípico del estilo impresionista que Monet dominaba, haciendo usos de rojos y naranjas discretos contrastados con azules más oscuros y la silueta negra de los edificios del Parlamento para crear este aire de luz solar que emerge a través de la bruma.
Claude Monet 015 | © legado de Comte Isaac de Camondo y Musée d'Orsay / WikiCommons
Autorretrato (1889), Vincent Van Gogh
El Autorretrato de Vincent Van Gogh es uno de más de 40 pinturas que el artista produjo de sí mismo en su corta carrera. Tras trasladarse a París en 1886 y aprender de las obras de sus contemporáneos impresionistas, Van Gogh fusionó estas influencias con las del arte japonés de los bloques de madera como ukiyo-e para crear un estilo delicado y fluido. Sin embargo, para Van Gogh, estos autorretratos fueron más que un mero proceso de experimentación artística y autopromoción: fueron un intento de comprender el "yo" coherente, particularmente confuso por su batalla a largo plazo contra la depresión maníaca. Su enfermedad atormenta persistentemente su trabajo; el sombrío y pelirrojo Van Gogh es totalmente incongruente con las pinceladas alegres que constituyen el fondo, tal vez dando a entender los propios sentimientos de incomodidad y alienación del artista por su entorno.
Vincent van Gogh - Autorretrato - Google Art Project | © 9gFw_1Vou2CkwQ en Google Cultural Institute / WikiCommons
Musée d'Orsay, 1 Rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris +33 1 4049 4814. Abierto todos los días de 9.30 a 18 h, jueves hasta las 9.45 p. M., Lunes cerrado. € 12, € 9 concesiones, gratis menores de 18 años y miembros.
