10 Artistas Contemporáneos Japoneses A Saber
Chiho Aoshima
Un miembro de la productora de arte Kaikai Kiki y el movimiento Superflat (ambos fundados por el legendario artista japonés Takashi Murakami), Chiho Aoshima es mejor conocida por sus fantásticas criaturas pop urbanas y paisajes. Un autodidacta que comenzó a trabajar con el arte gráfico en la fábrica de Murakami, Aoshima crea paisajes de ensueño surrealistas habitados por fantasmas, demonios, mujeres jóvenes y elementos de la naturaleza. Su obra de arte es típicamente a gran escala e impresa en papel con materiales como cuero y plástico, para textura. En 2006, Aoshima produjo City Glow, Mountain Whisper (2006) en la estación de Gloucester Road en Londres como parte de Art on the Underground, donde 17 arcos de plataforma sucesivos crearon un paisaje mágico que gradualmente se transformó de día a noche. urbano a rural La obra representa el mundo utópico de Aoshima en el que el tiempo se suspende y las criaturas orgánicas son una con cosas inanimadas.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota es un artista de performance e instalación que crea instalaciones visuales a gran escala y específicas del sitio. Para su práctica son centrales los temas de la memoria y el olvido, los sueños y la realidad, el pasado y el presente, y la confrontación de la ansiedad. Sus obras más famosas son redes impenetrables de hilo negro que encierran una variedad de objetos domésticos, personales y cotidianos, como sillas viejas, un piano quemado, un vestido de novia y, a veces, la propia artista. Laberinto de la memoria (2012) se compone de una serie de vestidos engullidos por el omnipresente hilo negro presente en muchas de sus obras. Estos vestidos se conciben como una "segunda piel", moldeando y constriñendo el cuerpo. La omnipresencia del hilo negro tiene la intención de describir y hacer cumplir esta relación exacta. En el verano de 2014, Shiota instaló Perspectivas (2004), con más de 300 zapatos donados acompañados de notas escritas a mano por cada donante, confiando un recuerdo personal. Shiota luego conectó los zapatos con una cuerda de hilo rojo, cada uno suspendido del mismo gancho. Shiota representó a Japón en la 56ª Bienal de Venecia en 2015 y su primera exposición en Blain Southern, Berlín, que se inauguró durante la Semana de Arte de Berlín en 2016, causó sensación.
Perspectivas: Chiharu Shiota | © Amanjeev / Flickr
Ei Arakawa
Ei Arakawa se inspira en estados de cambio, períodos de inestabilidad, accidentes felices y elementos de riesgo. Sus piezas de performance e instalaciones involucran temas de colectividad, amistad, simultaneidad e improvisación. El trabajo de Arakawa casi siempre es colaborativo y se relaciona con el elemento del espectáculo social del arte, desde la producción hasta la destrucción. Su sensibilidad artística está informada por una condición performativa, indeterminada, "en todas partes, pero no en ninguna parte". Su trabajo aparece en lugares inesperados internacionalmente, multiplicándose a través de procesos colaborativos. En 2013, su obra se exhibió en la 'Kamikaze Loggia' (Pabellón de Georgia) en la Bienal de Venecia, y en una encuesta de arte contemporáneo japonés titulada Roppongi Crossing en el Mori Art Museum. Su instalación Hawaiian Presence (2014) fue un proyecto de colaboración con la artista Carissa Rodriguez, con sede en Nueva York, para la Bienal Whitney 2014. En Frieze London en 2014, Arakawa y su hermano Tomoo - trabajando como un dúo bajo el nombre 'United Brothers' - presentaron un trabajo de performance titulado ¿Esta sopa tiene un sabor ambivalente? en la que la pareja ofreció sopa a los visitantes, supuestamente hecho con las raíces daikon 'radiactivas' de Fukushima.
Koki Tanaka
"Artista del año" de Deutsche Bank en 2015, el enfoque visual de Koki Tanaka explora la comunidad y una experiencia compartida de creatividad e imaginación, fomentando el intercambio entre los participantes a la vez que aboga por nuevas reglas de colaboración. Su instalación en el Pabellón de Japón 2013 de la Bienal de Venecia consistió en un video con objetos que transformaron el Pabellón en una plataforma para el intercambio artístico. Los videos e instalaciones de Tanaka exploran la relación entre los objetos y las acciones, registrando gestos simples realizados con elementos cotidianos como un cuchillo cortando vegetales, la cerveza vertida en un vaso y la apertura de un paraguas. No ocurre nada de gran magnitud en estos videos, sin embargo, la repetición compulsiva y la atención a los detalles minúsculos obligan al espectador a valorar lo mundano.
Mariko Mori
Mariko Mori crea obras multimedia en video, fotografía, nuevos medios y arte de instalación. Ella expresa una visión minimalista y futurista a través de formas elegantes y surrealistas. Un tema recurrente en el trabajo de Mori es la yuxtaposición de la mitología oriental con la cultura occidental, como se ve en sus imágenes en capas digitales. Mori saltó a la fama con Wave UFO , que se estrenó en Kunsthaus Bregenz, Austria en 2003. Posteriormente, esta pieza viajó a Nueva York y luego se incluyó en la Bienal de Venecia de 2005. En 2010, Mori fundó la Fundación Faou, una organización educativa y cultural sin fines de lucro a través de la cual dedicó una serie de sus propias instalaciones artísticas permanentes, armoniosas y específicas de cada sitio para honrar a los seis continentes habitables. Más recientemente, se instaló una instalación permanente de Faou Foundation titulada Ring: One with Nature sobre una cascada escénica en Visconde Mauá en Resende, cerca de Rio de Janerio.
Mariko Mori, 'Infinite Energy' , 2013. Trabajar con el apoyo de Espace Louis Vuitton Tokyo | © Louis Vuitton / Jérémie Souteyrat
Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda es un nuevo artista de medios y sonido cuyo trabajo se relaciona principalmente con el sonido en una variedad de estados "en bruto", desde tonos sinusoidales hasta el ruido, empleando frecuencias al borde de el rango de audición humana. Sus actuaciones e instalaciones inmersivas comprenden sonidos generados por computadora que se transforman visualmente en proyecciones de video o patrones digitales. La obra audiovisual de Ikeda utiliza escala, luz, sombra, volumen, sombra, sonidos electrónicos y ritmo para inundar los sentidos. El famoso patrón de prueba [n ° 5] de Ikeda consta de cinco proyectores que iluminan una superficie de unos 28 metros de largo por ocho de ancho. La instalación convierte datos (texto, sonidos, fotos y películas) en códigos de barras y patrones binarios de ceros y unos. La obra de Ikeda también incluye actuaciones de una noche, como datamatics [ver.2.0] , una versión actualizada de un concierto audiovisual que ha presentado en varios lugares del mundo desde 2006, a partir de Zero1, San Jose, California, para ISEA 2006. Ikeda examina y aplica métodos matemáticos y científicos para dar forma a la música, el tiempo y el espacio, creando experiencias hipnóticas. Explora el sonido y la visión, deconstruyendo sus propiedades físicas para revelar las complejas relaciones involucradas en la percepción humana. En última instancia, Ikeda prueba los potenciales extremos de la tecnología digital, desafiando los umbrales de la percepción.
Takashi Murakami
Takashi Murakami es uno de los artistas contemporáneos más emblemáticos de Japón. Desde pinturas hasta esculturas a gran escala y colaboraciones de moda, el trabajo de Murakami está influenciado por el manga y el anime. Fundador del movimiento Superflat y del colectivo de artistas Kaikai Kiki, Murakami ha desarrollado y respaldado las carreras de muchos de sus contemporáneos. El término "superflat" describe tanto las características estéticas de la tradición artística japonesa como la naturaleza de la cultura y la sociedad japonesa de la posguerra. La tradición dejó un legado de imágenes planas y bidimensionales, con énfasis en planos planos de color, que ha sido reelaborado en la cultura contemporánea a través del manga y el anime. El Japón de la posguerra también experimentó un "aplanamiento" de las diferencias en la clase social y el gusto popular. La práctica de Murakami consiste en reempaquetar elementos que generalmente se consideran "bajos" o subculturales y presentarlos en los mercados de arte "alto" de la moda y el arte. Su provocativa Mi Lonesome Cowboy (1998) se vendió en Sotheby's New York por un récord de $ 15.2 millones en 2008. Además de su obra de arte, Murakami ha colaborado con Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.
Tatsuo Miyajima
Tatsuo Miyajima es un escultor y artista de instalación cuyas obras altamente tecnológicas emplean materiales contemporáneos como circuitos eléctricos, video y computadoras, centrados en el uso de dispositivos desde la década de 1980. Los conceptos artísticos centrales de Miyajima se inspiran en las ideas humanistas y las enseñanzas budistas. Los contadores LED en sus instalaciones parpadean continuamente en repetición del 1 al 9, simbolizando el viaje de la vida a la muerte, pero evitando la finalidad, que está representada por 0 y nunca aparece en su trabajo. Sus números omnipresentes, presentados en cuadrículas, torres y circuitos, expresan su interés en las ideas de continuidad, conexión, eternidad y el flujo de tiempo y espacio. Más recientemente, el trabajo de Miyajima titulado Arrow of Time (Unfinished Life) se exhibió en la exposición inaugural de Met Breuer, Unfinished: Thoughts Left Visible en la ciudad de Nueva York.
藍色 地平線| © Bowy Gavid Bowie Chan / Flickr
Yayoi Kusama
Con una carrera asombrosa que abarca siete décadas, Yayoi Kusama ha explorado los ámbitos de la pintura, dibujo, collage, escultura, performance, cine, grabado, instalación y arte ambiental, como así como literatura, moda y diseño de productos. Kusama ha desarrollado un estilo muy distintivo de arte con lunares, que se ha convertido en su marca registrada. Tales visiones ilusorias son, para Kusama, el producto de las alucinaciones que ha experimentado desde la infancia, en las que el mundo parece estar cubierto de formas proliferantes. Kusama ha cubierto salas enteras con coloridos puntos e 'infinitos' espejos que reflejan interminablemente formas de luz de colores.
Yayoi Kusama, Secuela de la aniquilación de la eternidad [Vista de la instalación], 2009 | © Andrew Russeth / Flickr
Yoshitomo Nara
Yoshitomo Nara crea pinturas, esculturas y dibujos que representan a sus hijos y perros con sus grandes ojos abiertos, temas que intentan capturar una sensación de aburrimiento y frustración infantil, y recapturar la feroz independencia natural para los niños. Con reminiscencias de las ilustraciones de libros tradicionales, su estética presenta una tensión inquieta, en parte influenciada por el amor de Nara al punk rock. Los títulos de sus obras son testimonio de esto, desde La niña con el cuchillo en su lado (1991) a Violencia silenciosa (1998), Neurótico al hueso (1 ), y No hay nada (2000). En 2011, el Museo de la Sociedad de Asia de la ciudad de Nueva York celebró su primera gran exposición individual titulada Yoshitomo Nara: Nobody's Fool , que comprende obras que abarcan los 20 años de carrera del artista. Las obras expuestas estuvieron íntimamente conectadas con la sensibilidad de las subculturas juveniles de todo el mundo, centrándose en temas de alienación y rebelión, particularmente en relación con la música rock y punk.
Pup King - Yoshitomo Nara + graf | © sprklg / Flickr
